Recomendaciones para el Festival de Cine de Uruguay

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Doce días y 289 películas: hay que elegir muy bien para moverse en el Festival Cinematográfico Internacional del Uruguay, que comienza el martes y llega a su edición 43. Para eso, aquí la mayoría de los reseñistas habituales de la diaria proponen una posible agenda basándose en la trayectoria de los directores, en la reputación que traen las películas y en algún pálpito ocasional, ya que se trata, en su enorme mayoría, de estrenos absolutos para nuestro país.

Desde Asia

» Jia Zhang-ke es el principal exponente de la llamada Sexta Generación del cine chino, la primera que se benefició de la internacionalización, el desarrollo tecnológico y la flexibilización institucional, para realizar películas independientes, muchas veces con cierto sabor disidente. Caught by the Tides es otra de sus películas que barren un tramo de algunas décadas en las vidas de sus personajes, aportando al mismo tiempo reflexiones sobre el devenir del país en un momento de profundas transformaciones. Como siempre, la actriz principal es su esposa, la entrañable Zhao Tao. La diferencia del caso es que la película está basada en mucho material filmado mucho antes, de tipo documental o fragmentos de otras películas suyas, desde el 2000 (año de su clásico Platform) hasta 2024. GAP

» Amarela –fue el corto ganador de la Palma de Oro en la 77ª edición del Festival de Cannes. Producido en Brasil, fue dirigido y escrito por el japonés-brasileño André Hayato Saito y es la tercera entrega de una trilogía del cineasta oriental que suma escenas a una historia de amistad y ancestrales lazos familiares, destinada a convertirse en largometraje. Erika (Melissa Uehara) es una adolescente japonesa que lucha contra la depresión, las exigencias del trabajo y los estudios y, especialmente, contra su residencia brasileña, justo cuando la verdeamarela se consagra campeona del mundial de fútbol de 1998 y ella no encuentra motivos para festejar. FM

» “Puedo sentir las plantas rebotando a mi alrededor”, dice Arsin y resume el tono de The Botanist, magnífica película china que transcurre en extraordinarios ambientes abiertos, de montañas y cielos enormes. La película de Jing Yi es un coming-of-age que se centra en este niño kazajo solitario que establece un vínculo intenso y poético con la naturaleza que lo rodea, en particular con las plantas. La llegada de Meiyu, una niña china de la etnia Han, opera como un elemento de apertura a mundos desconocidos; la amistad entre ambos niños, entre el asombro y la extrañeza, permite el acercamiento y el conocimiento mutuo, una sensación de ajenidad y de extrañamiento que se traslada al espectador. RP

» El coreano Hong Sang-soo se estableció, desde fines de los años 1990, con un estilo sumamente sencillo y barato que le permite filmar sin parar, acumulando una filmografía que ya cuenta 33 largometrajes. Luego de que su A Traveler’s Needs, lanzada en el Festival de Berlín, fuera seleccionado para este Festival de Cinemateca, ya presentó dos películas más, estrenadas en Locarno y en Berlín. Se basa en planos extensos, diálogos en tiempo real, unas elipsis misteriosas, juegos con la temporalidad, motivaciones enigmáticas, una forma particularmente sensible de evocar lo inefable. A Traveler’s Needs es su tercera película con la gran actriz francesa Isabelle Huppert. GAP

Brasil, Argentina y la región

» Gabriel Mascaro es uno de los cinco o seis más interesantes cineastas brasileños de la actualidad. Su Boi neón (2015) es una obra maestra: visual formidable, dirección de actores exquisita y una mirada original y penetrante a las realidades del Brasil profundo. En Boi neón el escenario era la zona rural del Nordeste. En su nueva realización, O último azul, el escenario es el Amazonas, en el contraste entre un pequeño pueblo industrial y la selva, la injusticia social y la plenitud en el contacto con la naturaleza. GAP

» El argentino Martín Rejtman se caracteriza por su humor rarísimo, levemente absurdo, opacado (¿acentuado?) por la austeridad bressoniana de las actuaciones y situaciones, y una gran precisión formal. Nos trae ahora El repartidor está en camino, sobre los trabajadores de deliveries durante la pandemia en Argentina y en Venezuela. GAP

» Por lo menos dos de las películas de ficción de Mariano Llinás lo ubican entre lo más estimulante del cine del presente siglo, con su imaginación desmesurada, su inteligencia, la belleza de los textos que aparecen en voz over. En los últimos años ha hecho sobre todo documentales. En Popular tradición de esta tierra Llinás regresa a su afición por el cantante Ignacio Corsini (1891-1967), a quien ya había rendido homenaje en el documental Corsini interpreta a Blomberg y Maciel (2021). En esta nueva película, si mal no entiendo, aborda la llegada de ese inmigrante italiano y sus contactos con los paisajes rurales y la cultura gauchesca que admiraba. GAP

» La argentina Albertina Carri se ha aventurado cerca de lo que solemos llamar cine experimental. Por las descripciones, su ¡Caigan las rosas blancas! tiene algo de autobiográfico, ya que la personaje principal realizó, al igual que Carri, una película de porno lesbiano (la de la vida real fue la sensacional Las hijas del fuego, de 2018). En esta ficción, la personaje-directora, ante el encargo de hacer otra película porno, emprende un viaje de Buenos Aires a San Pablo junto a sus actrices. GAP

» Con una carrera como director empezada a inicios de la década de 1970, idealismo izquierdista y un profundo humanismo, Gianni Amelio es un sobreviviente tardío de un entrañable cine italiano que ya casi no existe: tranquilo, cálido bajo un tinte de desencanto, cuestionador, combinando lo personal con lo político, el mejor continuador del enfoque de Ettore Scola, por ejemplo. Su Campo di battaglia aborda el ambiente de médicos en un hospital de heridos de la Primera Guerra Mundial. GAP

» El brasileño Júlio Bressane es un par de años más joven que Amelio, pero empezó a dirigir antes, en 1966. Fue una de las eminencias del udigrudi, es decir, el underground brasuca, que fue visto, al menos desde esa perspectiva radical, como un sobreseimiento de un Cinema Nôvo que parecía tender a acomodarse como un cine “aceptable”. Bressane nunca dejó de filmar. Hace mucho que su estilo y procedimientos se establecieron, y nadie espera que cambie radicalmente, pero ¿quién esperaría tal cosa? Su cine sigue siendo de lo más original, personal, extraño y rico de lo que se viene haciendo en Brasil. Al igual que Hong Sang-soo, filma sin parar y prácticamente en cada festival de Cinemateca tenemos el placer de encontrarnos con alguna obra suya, y nunca decepciona. Relâmpagos de críticas murmúrios de metafísicas es, al parecer, un montaje de fragmentos de 48 películas brasileñas realizadas entre 1898 y 2022. ¿Podemos esperar una especie de Histoire(s) du cinéma lusoamericano? O quizá algo aún mejor que eso. GAP

» Algo viejo, algo nuevo, algo prestado, dirigida por Hernán Roselli y presentada en el Festival de Cannes, es una coproducción entre Argentina, Portugal y España que relata, con humor negro y buena dosis de thriller, la historia de los Felpeto, una familia disfuncional que administra un negocio de apuestas clandestinas en las afueras de Buenos Aires. Fascina por su lado sombrío y su mezcla de true crime, documental y drama policial. AB

» La búsqueda de Martina, coproducción brasileña, argentina y uruguaya, resultó premiada en el Festival de Cine de Mar del Plata y nos cuenta la historia de Martina García (Mercedes Morán), una viuda argentina de 75 años, que busca desde hace más de tres décadas a su nieto nacido en cautiverio durante la dictadura. Uno quisiera pensar que ya tuvimos nuestra dosis de historias así, pero las circunstancias actuales nos recuerdan que son más necesarias que nunca. RS

» “Una de las personas q aparecían al final de the urgency of death visita la casa donde vivía de chiquita and talking de too many things q destruieron a su padre”. La sinopsis de Avenida Sáenz 1073: video dedicado a la enfermedad de mi padre, escrita por la directora Lucía Seles, es una confirmación de que el selesverso se sigue expandiendo. Para un converso como yo –y cada vez somos más–, no ir a ver una película suya no es una opción. Lleno de mañas, ecolalias, excursiones, absurdismo y derivas poéticas, el cine de Seles es de esas pocas cosas que no se parecen a nada, y que, contrario a aburrir, se solidifica en sus obsesiones y repeticiones. AAK

» La brasileña A natureza das coisas invisíveis viene de presentarse en el Festival de Berlín. Dos niñas de diez años se encuentran de manera fortuita en un hospital. Allí Gloria va bajo protesta durante sus vacaciones porque es donde trabaja su mamá, que es enfermera, y Sofía está acompañando a su bisabuela, que está internada con una enfermedad terminal. La película sigue a las dos niñas en ese encuentro en el que se hacen amigas y transcurren una jornada de descubrimientos y despedidas, de aprendizaje y sentimientos agridulces, los cuestionamientos sobre la vida y la muerte a los que conduce la contigüidad con el entorno hospitalario, y sobre la verdad y el ocultamiento en la palabra adulta. RP

España y Europa

» Parecería haber un parentesco de procedimientos entre la película de Bressane y En la alcoba del sultán, del español Javier Rebollo, que, según entiendo, también emplea materiales de archivo, sobre todo de Gabriel Veyre (1871-1936), quien recorrió el mundo captando imágenes para las exhibiciones de los hermanos Lumière, en los primordios del cine. Además de los fragmentos de archivo, según entiendo, la película ficcionaliza un viaje de Veyre (actuado por Félix Moati) a un país exótico. No soy gran conocedor de la obra de Rebollo, pero su El muerto y ser feliz (2012) es una belleza, muy imaginativa y muy libre en sus recursos, y me dejó una poderosa impresión. GAP

» Radu Jude es el Jean-Luc Godard que el despiadado y entrópico mundo del poscapitalismo nunca pidió pero necesitaba. No hay en tiempos actuales un director que logre de forma tan impresionante comentar hechos que sucedieron apenas ayer y se permite reformular e incluso dinamitar su estilo película a película. Ninguna de las obras de Jude podría haberse pergeñado en otro país que Rumania (el absurdo de los coletazos burocráticos del comunismo, el capitalismo desordenado y voraz, el humor fusionado entre lo eslavo y lo gitano, y la responsabilidad nunca asumida de la nación por su colaboración con el nazismo), pero a la vez siempre se las siente universales, con esa habilidad de poder ver las cosas con nitidez aun cuando están demasiado cerca. Kontinental 25’, filmada con un iphone mientras realizaba otra película de mayor factura sobre el mito de Drácula, parece continuar su línea de pequeñas personas metidas en la picadora de carne estatal y comercial que los enfrenta a sus propios límites morales. AAK

» La llamada Orquesta Roja no tocaba música, pero sí orquestó una red de espionaje soviético detrás de las líneas alemanas durante la Segunda Guerra Mundial. Combinaba la infiltración de las estructuras nazis con la resistencia ciudadana. Hilde Coppi fue una de sus integrantes y From Hilde, with love retrata su breve vida con frescura y crudeza sin escaparle a la ternura, muy en la línea de Gunderman, el anterior film del director (estrenado por Cinemateca en 2019), sobre un cantante proletario de Alemania del Este, país de nacimiento y formación del cineasta Andreas Dresen. RLB

» Albania, el país más enigmático de la Europa balcánica ubicada detrás del telón de acero, salió del socialismo estrellándose contra una estafa piramidal de escala colectiva. El caos social y económico afectó a casi toda la población urbana y obligó a las familias a un “sálvese quien pueda” que entró y salió con relativa rapidez de las noticias internacionales en 1997, pero abrió todavía más la herida colectiva de la “transición”. En Luna Park, de Florenc Papas, una madre y sus dos hijos tratan de aferrarse a una frágil tabla de salvación. RLB

» ¿Puede decirse algo más sobre la antigua Yugoslavia? ¿Puede decirse algo nuevo en términos cinematográficos? Si el cine habla siempre de un puñado de temas esenciales, no lo hace con naipes tan aislados como para no poder organizarlos en barajas. Entre esos mazos está el de la yugomirada, que nunca está en el lugar que el resto del mundo parece tenerle reservado. En When the Phone Rang se canaliza a través de una llamada la memoria de la pubertad, el sacudón de una desintegración, la irrealidad de estar para contarlo. Sí, puede decirse algo más y hacerlo de una manera que no tenga el olor de la naftalina. RLB

» Soundtrack to a coup d’etat (Johan Grimonprez) es de esos inhabituales films que pueden calificarse de totales. En el documental, exclusivamente armado a base de found footage y fotografías, el golpe de Estado al líder congoleño Patrice Lumumba (planeado por belgas, orquestado por norteamericanos, facilitado por la ONU) se entremezcla con la elección de un dream team de jazzistas enviados a África, elegidos como cuasi embajadores culturales de Estados Unidos en plena disputa de influencias con la Unión Soviética. En ese friso de referencias se entremezclan guerra fría con colonialismo, la raíz política del jazz y las diferencias entre ser negro, africano y afroestadounidense. Pero más allá de esto, Soundtrack es una película armada con una elegancia inusitada alrededor del beat del jazz, donde la edición está sujeta a esos platillos y la tipografía emula el diseño y el estilo elegantísimo de las tapas de Blue Note y Atlantic Records. AAK

» El largometraje Alumbramiento, dirigido por Pau Teixidor, narra la entramada historia de una de muchas adolescentes obligadas a engendrar y a donar sus bebés en un tiempo no tan lejano como la España de 1982. Marisa decide llevar a su hija Lucía a Madrid con el fin de dar “cierre” a un embarazo no deseado. La chica ingresa en un reformatorio para adolescentes embarazadas, donde entablará una fuerte amistad con sus compañeras y descubrirá el inhumano sistema creado para sacarles aquello que todavía no tienen: sus propios hijos. La película está basada en los testimonios reales de chicas que pasaron por Peña Grande, la siniestra maternidad de las Cruzadas Evangélicas en Madrid. AB

» El protagonista de la francesa Misericordia regresa a su pueblo por un funeral, se queda inexplicablemente unos días y sufre aquello de “pueblo chico, infierno grande”, en particular a la hora de buscar alguna que otra relación sexual. Pronto, alguien desaparece y la cosa toma el cariz de un whodunit, matizado por el humor ácido y negro tradicional del director Alain Guiraudie. RS

Rock y flamenco

» La guitarra flamenca de Yerai Cortés. Antón Álvarez, más conocido como C Tangana, es un artista odiado y amado por lo mismo: cuando era todavía un pibe escuálido y prácticamente desconocido, explicó metódicamente cuál era su plan para ser rico, famoso y respetado. Podría ser la historia de un montón de raperos, pero Tangana lo logró con inusitada precisión y sistematicidad. A esta altura estamos en un extraño momento en el que todo aquello a lo que se acerca funciona, y la idea de que, sin formación cinematográfica específica, el mismo tipo haya realizado un documental sobre un tesoro escondido del flamenco, y que ese documental esté siendo reverenciado como una obra de gran calidad y sensibilidad, es razón suficiente para pedir una butaca y evaluar qué tan tocado está. AAK

» Alguna vez comparada con Iggy Pop, a causa de su carisma, arrojo e intensidad, Merrill Beth Nisker, Peaches, desarrolló una sólida carrera musical y en el camino se convirtió en una respetada representante del movimiento queer. En el documental de tono cómplice Peaches Goes Bananas, la belga Marie Losier construye una biografía de la cantante canadiense con sus incendiarias y guardadas actuaciones en vivo como punto de partida. Una fiesta itinerante con ruidos de música electroclash y un espíritu pariente al de la Antimurga BGC. FM

» “Para que un grupo sea bueno tiene que ser como su ciudad, y es que Granada es la única ciudad con nombre de bomba”. Segundo premio, más que una biopic, es una especie de ópera rock indie, marcada por agudas declaraciones como esta. La biografía de la banda Los Planetas se despliega con un gran pulso poético de la mano de Isaki Lacuesta, quien logra hacer una especie de retrato doble entre la conformación de la banda y Granada, la ciudad que le dio origen. AAK

Animadas

» En La carga más preciada el director Michel Hazanavicius –el mismo de El artista– hace su debut animado con un drama que promete pocas sonrisas pero mucha emoción. Durante la guerra, la esposa de un leñador encuentra un bebé en el bosque y eso cambiará –evidentemente– su vida y la de su marido. RS

» Memorias de un caracol es una más de “dibujitos”, diría mi madre. Compitió en su categoría en los últimos Oscar (perdió con Flow) y tiene una animación muy particular a partir de stop motion y plastilina. Australiana y para adultos, cuenta la historia de una niña separada de su gemelo al quedar huérfanos y las tribulaciones (qué linda palabra, tribulaciones) a lo largo de su vida. RS

Uruguayas, al fin

» Entre las muchas uruguayas que llegan al festival, Perros, debut de Gerardo Minutti, me resulta muy llamativa por su premisa: en el mismo barrio, una familia se va de vacaciones y otra –que mira con cierto recelo la prosperidad económica de la primera– le cuida la casa y los perros. Pero eso es sólo la puerta de entrada para empezar a vivir (y a vivirles) en la casa de al lado. ¿Parásitos a la uruguaya? Estoy al firme. RS

» Grappamiel con açai es un film que en su mera descripción podría caer en los convencionalismos de muchos cortos uruguayos (dos jóvenes perdidos en la noche, sin mucho que hacer, con ese ennui tan montevideano) y, sin embargo, toda su belleza radica en cómo está confeccionado: un corto que parecería desplegar una idea nueva por plano, en donde cada prop tiene un destello propio y, sobre todo, tocado por algo extraño, que tiene que ver con las fluctuaciones de tono, no sólo a lo largo del corto, sino en simultáneo. Así, hay momentos en los que la cuasi historia de amor entre desconocidos llega a ser lyncheana y wongkarwaiesca al mismo tiempo, según el foco que uno haga. El de Perí de Alencar es el mejor corto uruguayo que vi en años y un premio personal a la mejor lluvia filmada en nuestro cine. AAK

» Adiós a mi teta es un corto de ficción, mezcla de thriller y comedia, dirigido por Andrea Treszczan y protagonizado por Mónica Navarro y Gabriela Iribarren. Aborda, desde la empatía y el humor, el padecimiento de cáncer de mama. Sororidad, amistad y círculos de contención desdramatizan el cáncer como tabú y sostienen una cálida y divertida historia con una cuota de autorrefencialidad (Navarro cuenta su tránsito por la enfermedad en primera persona), con la amistad salvadora como eje central. El proyecto tuvo apoyo del Institut Pasteur (le otorgó la locación para el rodaje) por su aporte a la lucha contra el cáncer. AB

» En la coproducción rioplatense El casero, el uruguayo Alfonso Tort (Claudio) y la argentina Paola Barrientos (Marcela) interpretan la incomodidad de dos hermanos distanciados y obligados a unir fuerzas para combatir las costumbres de Ramón (Alvin Astorga), el casero de una herencia familiar algo olvidada. La historia se balancea entre el drama y la comedia, incluso cuando aparecen los humoristas Luis Rubio y Yayo Guridi. Dirigió Matías Lucchesi. FM

» La casualidad de dos estudiantes -una uruguaya y un cubano- de la Escuela de Cine de San Antonio de los Baños y el hallazgo de un peculiar basurero en La Habana vieja deriva en una investigación documental y de impulso para el colectivo Archivistas Salvajes, a partir del rescate de una importante cantidad de películas amateurs excluidas del circuito oficial cubano. La selva oscura (Uruguay, Cuba, España), dirigida por Lucía Malandro y Daniel Saucedo) es un corto documental de 17 minutos que funciona como testigo de un tesoro que comienza a conocerse de a poco. Buena vista cinematográfica en la que vibran los protagonistas de un funeral para caídos en la guerra de Angola y otra ceremonia religiosa con brindis incluido. FM

» Si es verdad que la pandemia de covid-19 puso a prueba todas las variantes de la paciencia, también lo es que el documental Ni siquiera las flores, de la uruguaya Mariana Viñoles, retrata el evento con formas y maneras no menos desafiantes. La cámara fija registra lo que se ve por la ventana de un edificio mientras pasan los días de una madre al cuidado de sus hijos. Se escucha la intimidad de un hogar y la acción continua en el pasaje de una esquina marcada por la presencia de un contenedor de basura. Una exploración en el infierno de la vida cotidiana, con o sin virus. FM

» Alfredo Soderguit adapta su propio libro infantil en el corto Los carpinchos. Estamos hablando del director de Anina, acaso la mejor película animada uruguaya (y clara candidata entre las mejores películas del país a secas), así que no hay que perdérselo. En la universalidad de su planteo, tiene particular actualidad la historia de los carpinchos que huyen de un cazador y se refugian en un gallinero, lo que propicia un encuentro conflictivo que se suaviza de la mano de la curiosidad de un pequeño de cada especie. RS y RP

43er Festival Cinematográfico Internacional del Uruguay. Del 8 al 20 de abril en Cinemateca y varias salas de Montevideo. Calendario en https://cinemateca.org.uy