Riccardo Boglione

Hace cuarenta y pocos años, cuando surgió el arte conceptual, el gran debate era si, una vez atestiguada la desmaterialización de las obras (según la todavía vigente terminología acuñada por una de sus profetas, Lucy Lippard), éstas seguían siendo arte. Frente a la desaparición de toda cuestión técnica, frente a la reducción de la creación a su “idea” realizada sin pinceles y cinceles, el público reaccionó con desconcierto, cinismo o miedo.

Importar en Uruguay, donde el cerro más alto apenas llega al medio kilómetro, una muestra que pone en su título una directa referencia a la novela inconclusa del surrealista ocultista René Daumal El monte análogo, de 1944 -suerte de gran pequeña metafísica de la altitud-, puede generar en los espectadores autóctonos reacciones curiosas y seguramente más borrosas que las que probablemente engendró en Quito, donde hace pocos meses la exposición fue estrenada originalmente, o sea, a 2.850 metros de altura.

La semana pasada visitó Montevideo Juan de Nieves, ex director artístico del Espai d’Art Contemporani de Castelló y profesor en el Máster de Arte, Museología y Crítica Contemporáneos de la Universidad de Santiago de Compostela. Dictó dos seminarios, sobre la figura del curador de arte y sobre el arte conceptual español, y presenció la inauguración de la muestra que curó especialmente para el CCE, Dentro del tiempo, última obra del reconocido artista español Isidoro Valcárcel Medina, ganador en 2007 del Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura de España. la diaria habló con él.

La misma sensación, entre eufórica y abrumadora, que se experimentaba hace unos meses al pisar el Subte para ver Inclemencia del tiempo se renueva entrando a Menos tiempo que lugar, la nueva colectiva curada por Alfons Hug. Como en aquélla predominan los videos sobre pared que invaden con sus luces y sonidos la gran sala subterránea; como aquélla lleva en su nombre la palabra “mágica” tiempo, passepartout infalible a la hora de cargar de valor simbólico y filosófico un asunto artístico: en la primera ocasión fue jugando sobre el doble sentido de atmosférico y cronológico, ahora va moviéndose sobre el eje “espacio-temporal” con un afán quizá bergsoniano.

“El Panopticon es una máquina creada para disociar la dupla mirar-ser mirados: en el anillo periférico uno es mirado en su totalidad, sin poder mirar nunca; en la torre central, se mira todo, sin ser mirados nunca”. La explicación que Michel Foucault elabora de este tipo de prisiones en su Vigilar y castigar parece (más allá de una definición puntual y rica de derivaciones filosóficas de este escalofriante aparato arquitectónico del poder en donde la vigilancia invisible, pero potencialmente perpetua, se vuelve absoluta y castradora) materia fecunda, con su insistencia sobre la “visión”, para reflexionar a la hora de ver convertido el mismo edificio en un museo de artes visuales. El paso sucesivo sería cambiar la palabra “preso” por “obra de arte” y así leer como sigue Foucault: “Es visto, pero no puede ver; objeto de una información, nunca sujeto de una comunicación”. Muchos concordarían con la frase pensando en el rol de todo lo expuesto en sedes museales.

Una retrospectiva de Marina Abramovic, artista performática reconocida que resiste la museización. Sobre "The Artist Is Present". The Museum of Modern Art (11 West 53 Street, Nueva York). Hasta el 31 de mayo. Transmisión en vivo online en www.moma.org/interactives/exhibitions/2010/marinaabramovic.

Navegando las páginas de arte y mirando, aunque sea perezosamente, la prensa extranjera, es muy difícil no enterarse de que estamos viviendo el año de Michelangelo Merisi, el Caravaggio, y, quizá, según los más audaces, la época Caravaggio. No sólo por el aniversario de los 400 años de su muerte que hace prosperar muestras como si fueran hongos, sino por una atención mediática y maniática sin precedentes hacia el pintor lombardo.

Falta mucho para que termine el año, pero ya se corre el riesgo de que, por las crónicas, esa retrospectiva condensada -oportunamente titulada Sinopsis- de Gerhard Richter se convierta en la “muestra de 2010” en Uruguay. La resonancia de su fama, tal vez más que la exhibición en sí, es formidable: como recita el catálogo, Richter es, junto con Sigmar Polke y Georg Baselitz, el artista alemán vivo más conocido y, se puede agregar con tranquilidad, uno de los más acreditados pintores del mundo.

En noviembre el semiólogo italiano Umberto Eco coordinó una ambiciosa muestra en el principal museo francés, en la que dio rienda suelta a su fascinación por las enumeraciones. El texto central de esa exposición llega ahora al resto del mundo acompañado de unas cuantas imágenes, pero algo parece haberse perdido en el camino.

Hace exactamente medio siglo, el más problemático y debatido de los conceptos artísticos (y no sólo), el “realismo”, recibió un bofetada cuando un joven crítico francés, el controvertido Pierre Restany, empezó a hablar de nuevos realistas y, por extensión, de Nouveau Réalisme. Y es mejor aclararlo ya: el Nouveau Réalisme no tiene nada que ver con el casi homónimo neorrealismo italiano cinematográfico y literario, todavía “rural”, artesanal y dedicado a la pobreza, mientras que los franceses se ocupaban de urbe, industria y nueva riqueza.

Reseña. Artes Visuales. "Uruguay en la X Bienal de La Habana, 20009"; obras de Julia Castagno, Santiago Velazco, Javier Abreu. La Bienal de La Habana, que comenzó en 1984 y llegó este año a su décima edición (terminó a fines de abril), se caracteriza por su poder de regenerarse, lo que la vuelve a menudo despareja en sus propuestas, pero es una de las más vivas y encomiables de las grandes bienales de arte a nivel mundial.