Riccardo Boglione

Invitado por la Academia Nacional de Letras, la semana pasada Juan Manuel Bonet dictó en el Museo Nacional de Artes Visuales la conferencia “Las vanguardias en el Río de la Plata y sus conexiones españolas”. Curador de importantes muestras internacionales, ex director del Museo Reina Sofía de Madrid, autor del fundamental Diccionario de las vanguardias en España (1907-1936), el español Bonet conversó con la diaria durante su fugaz pasaje por Montevideo.

El viernes pasado Carlos Capelán inauguró en la sala grande del Museo Nacional de Artes Visuales su primera muestra en Uruguay, Burubú (heaven is a place), luego de su vuelta estable al país. Como siempre en su trabajo, mezcla asombrosa de elementos y técnicas, intrincadas conexiones visuales y lingüísticas causan gran impacto conjunto, en una obra site specific (creada especialmente para un espacio concreto) que no podría ser más specific.

Unas cincuenta obras acotadas en 20 años (un puñado de los 70, la mayoría de los 80 y 90) conforman la retrospectiva que el CCE, bajo la curaduría de Clever Lara, dedica a las 6 décadas de trayectoria de José Luis Pepe Montes, uno de los últimos destacados discípulos del Taller Torres García.

Los festejos para conmemorar los 500 años de su nacimiento, el 31 de julio de 1511, están llevando a los italianos a subrayar principalmente sus hazañas arquitectónicas y pictóricas. De todos modos, su obra más influyente es un libro sobre arte, en el que entre otras cosas le da nombre al Renacimiento.

El miércoles, en Londres, murió Lucien Freud y murió la “pintura”. La frase suena descabellada, pero acotando los términos, se puede volver lo suficientemente creíble si hacemos coincidir “pintura” con la pintura figurativa, de matriz realista, concentrada en sujetos humanos (vale decir retratos).

Con un pasado tan experimental como intermitente, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires ha vuelto para transformarse en el único espacio público dedicado a las artes contemporáneas de la capital argentina.

El anuncio, a mediados de abril, de su intención de retirarse del mundo del arte y la reciente publicación, en Italia, de una curiosa autobiografía son excelentes motivos para hablar de uno de los artistas más discutidos del siglo XXI: Maurizio Cattelan.

Olas de controversias agitaron, como pasa a menudo, la laguna veneciana durante la 54ª Biennale d’arte italiana. En primer lugar, los “ultrajes” religiosos que demuestran una vez más qué quiere decir tener al Vaticano incrustado en el medio del país, ya que seguramente en otros lugares no se habría generado tanta convulsión: la obra Merciful Dream (Pietà V), copia de la piedad de Miguel Ángel “desfigurada” por el belga Jan Fabre, quien sustituyó la cara de la virgen por una calavera y a Cristo consigo mismo, o la aparición de la pornostar local Vittoria Risi desnuda junto al cantante demencial Elio disfrazado de San Francisco.

Sobriedad y extensión, raigambre internacional y vocación local, lujo edilicio y distribución despareja: el retorno de la Bienal de Arte de Salto presenta facetas dicotómicas, y ello incluye, por supuesto, las obras premiadas.

La semana pasada tuvo intensa actividad en Montevideo, dando charlas en el Museo Nacional de Artes Visuales, en la Escuela Nacional de Bellas Artes y en el Goethe Institut. Heinz-Norbert Jocks (Düsseldorf, 1955) habló con la diaria sobre los caminos que han tomado tanto el arte como la reflexión sobre él en los últimos tiempos.

Mi recorrido, un lluvioso día de principios de abril, en la parte más hip de Chelsea, tenía una especie de doble función: entender qué diferencia este perímetro del resto del mundo artístico, o sea de qué está hecho el material de los sueños de los artistas que quieren entrar en el Mercado con M y $ mayúsculas, y ver unas cuantas exposiciones que deberían “dar el pulso” de lo que pasa y pasará en el blue-chip art (como definen los mismos marchands a los artistas “seguros” que generan gran cantidad de dinero).

Radicado desde hace 34 años cerca de Turín, en Italia, Coco Cano está planeando volver a Uruguay con más regularidad. Esta semana se abren dos exposiciones que lo ven involucrado; la diaria habló con él acerca de ellas y de su recorrido artístico y humano.

Una vez visitado con tiempo y calma, este atormentadísimo 54º Premio Nacional de Artes Visuales “Carmelo Arden Quin” -o sea el último Salón Nacional- se revela el típico caso en que el paratexto le gana patentemente al texto. La débiles obras presentadas, salvo (pocas) excepciones, palidecen frente al desenfrenado desarrollo de lo que sucedió anterior y posteriormente a su apertura, incluyendo la “obra invisible” armada por Agustina Rodríguez y Eugenia González (esta última entrada en el jurado con el intento de sabotear el frágil sistema de votos), que en un momento bloqueó el concurso y pareció anular el Premio (con nuevo proceso a comienzo de marzo), aunque formalmente se habló de problemas técnicos en la base del llamado.

Visitó Montevideo para presenciar la exposición de una de sus últimas obras, Memorial, dedicada a los desaparecidos uruguayos. la diaria conversó con Luis Camnitzer (Lübeck, Alemania, 1937), uno de los artistas uruguayos más célebres internacionalmente, acerca de esa pieza, de su libro Didáctica de la liberación (que tanto dio que hablar en 2008 y que recién ganó el premio del MEC por el ensayo sobre arte édito) y de sus concepciones de “arte boludo” y “ética cínica”.

Para algunos, sería el cuarto hombre luego de Barradas, Torres García y Figari. Otros incluso lo colocarían más arriba en la lista. Carmelo Arden Quin es uno de los gigantes de la pintura uruguaya del siglo XX, pero sólo recientemente su nombre está circulando en el país con más determinación. Desde la semana pasada (y hasta enero), el Centro Cultural de España aloja una gran retrospectiva con más de 40 obras y varios documentos, curada por el crítico Nelson Di Maggio, amigo personal del artista. la diaria habló con él.

Decía Karl Kraus, y con plena razón: “Mi lenguaje es la puta de todos que yo transformo en virgen”. El experimento EEEBZZZZ, mucho más sencillo, podría parafrasearse así: “Mi Facebook es la virgen que yo transformo en la puta de todos”. ¿Qué hizo Emilio Bianchi Zaffaroni? Pintó el pasillito de la sala XXS de negro, lo iluminó con una luz roja y lo llenó con una muzak obviamente fastidiosa, colgó un modesto dibujo -probablemente un autorretrato- de un muchacho flotando atado por un cordón umbilical sin fin (¿metáfora de la red social?), enmarcó una pantalla de PC (¿manera de ennoblecer lo inmaterial?) posicionada en su página personal de Facebook y dejó a disposición del público un teclado, un mouse y la posibilidad de alterar los datos de su cuenta “cara de libro” (o libro de caras), dejada abierta.

“El alma de Goya clamaba por lo insólito, por lo espectacular, por lo inaudito, y por eso pintaba monstruos y trasgos en sus cuadros, deseando complicar su siglo, meter inquietud en sus contemporáneos y excitar la inspiración demorada en aparecer”: así sentenciaba, fuera de broma y greguería, Ramón Gómez de La Serna en su biografía de 1928 sobre el famoso pintor aragonés. Sin duda, Goya cumplió con todo y más.