Riccardo Boglione

Desde que Plinio el Viejo, hace casi dos milenios, teorizó sobre las funciones básicas del retrato -conmemorativa, celebrativa y didáctica- se han escrito miles y miles de páginas sobre el tema: ampliadas, expandidas hasta cubrir cada estación intermedia entre las tres predisposiciones, parecen, sin embargo, categorías todavía vigentes. No asombra, por ende, que también en este recorrido de retratistas contemporáneos uruguayos que propone la muestra del Subte las funciones plinianas se puedan hallar cómodamente.

Una gran cantidad de eventos festejarán en este incipiente 2015 los 100 años de del nacimiento del italiano Alberto Burri. El carrusel de celebraciones ya empezó a finales del año pasado con la curiosa muestra Rivisitazione: Burri incontra Piero della Francesca en el Museo de Sansepolcro, y culminará en octubre en el Guggenheim de Nueva York, donde se montará la retrospectiva más completa hasta la fecha. En el medio se prevén otras muestras en Italia, una conferencia internacional, la publicación del catálogo general de su obra y el estreno de un documental.

Es cierto que las criaturas mórbidas que conforman algunas de las piezas más notables de la artista se alejan rápidas, ya a un primer vistazo, del carácter indistinto de una buena porción del campo escultórico uruguayo: amén de una calibración perfecta de sus elementos tonales y morfológicos que estimulan en el espectador una rara mezcla de rechazo y empatía, especie de juguetes rabiosos. Para probarlo es suficiente subir al flamante primer piso del Museo Figari. la diaria le preguntó a Whyte sobre su formación, su obra y sobre la obtención del Premio Figari.

"Platería Oriental. Signos surrealistas en el país de Lautréamont”, se trata de unas treinta y tantas piezas expuestas en seis vitrinas, distribuidas en tres salitas del Museo de Artes Decorativas Palacio Taranco: números reducidos que crean una atmósfera de rarefacción sin duda atractiva.

“Todo me inspira indiferencia, odio y aversión, todo lo que veo en estos momentos y me desprecio a mí mismo por mi poca suerte!”. Estas frases han sido extrapoladas de una carta que Julio Herrera y Reissig le escribió a la novia, Julieta de la Fuente, en 1904 desde Buenos Aires: resumen morrocotudamente todo el esprit del dandy finisecular provinciano, más resistente aun que el megalopolense. Ahora bien, observando el admirable retrato del amigo Juan Carlos Muñoz que Carlos Federico Sáez pinta en 1897, ¿cómo resistir la tentación de visualizarlas y colocarlas, en distendido baloon imaginario, al lado de ese vencido muchacho “untado” sobre la gran silla fina, justo ahí donde el joven artista ha dejado un vacío pictórico que multiplica el vacío existencial de su modelo?

La doble ocasión de la muestra y el libro que la “acompaña” (en realidad más nutrido, en número, que la exposición) "Me Río de la Plata (creadores desde aquí hacia el mundo)", de Fermín Hontou, mejor conocido como Ombú, abre la posibilidad de repensar un poco la caricatura, un género que todos tenemos tan claro en la cabeza que resulta, en realidad, un poco ofuscado o que por lo menos se da por “sentado”.

Reconocida internacionalmente, con varias muestras personales en importantes museos de todo el mundo y recientemente incluida en el cuarto volumen Art Now! de Taschen -cuyo eslogan de presentación recita “si hoy es hot en el mundo del arte, está en este libro”-, la alemana-brasileña Janaina Tschäpe está presentando, por primera vez en Montevideo, una exhibición en la Galería Xippas. Tschäpe, que vive entre Nueva York y Río de Janeiro, charló con la diaria de su formación y de su relación con la naturaleza y con un ámbito artístico predominantemente masculino.

Recientemente estuvo en Montevideo Rosa Olivares, destacada y combativa crítica de arte española, quien dirige cuatro publicaciones: Exit Imagen & Cultura, Exit Book, Exit Express y Fluor. En el Centro Cultural de España (CCE) dio una charla sobre curaduría y dirigió el seminario “Curadores: un oficio, una obsesión, una mentira”, cuya culminación será una muestra organizada por los mismos participantes, que se armará próximamente. Con ella la diaria habló de algunos engranajes de la máquina arte.

“Mnemoexploración” podría ser un neologismo para definir, en un preliminar acercamiento, el reciente libro de May Puchet "Octaedro. Los otros. Axioma. Relecturas del arte conceptual en el Uruguay durante la dictadura (1973-1985)". El juego con la memoria y contra la haraganería y la superficialidad con que se olvidan experiencias sustanciales (no en sentido universal, que no existe, sino más bien acotado, restringido, específico) que se saben tales, pero se vuelven cada vez más difusas hasta perderse, es el esqueleto que sostiene los músculos de este estudio.

La semana pasada se inauguró Nel nome del Padre, obra comisionada por el Instituto Italiano de Cultura de Montevideo, que se quedará permanentemente en su sede de Paraguay 1177. Sus autores, Cesare Viel y Luca Vitone -figuras prominentes de la escena artística italiana de hoy- trabajaron en Uruguay durante tres semanas: la diaria habló con ellos de la obra y de otros temas vinculados al arte.

la diaria habló con Francis Alÿs, sin duda una de las figuras más destacadas de la escena artística contemporánea a nivel mundial: su pasaje por Montevideo se debe a una muestra que, curada por el mismo Alÿs y Fernando Sicco, recoge varias obras producidas en los últimos 20 años. La exposición, titulada "La acción reveladora o Poética de los intentos", se inaugura hoy en el Espacio de Arte Contemporáneo (EAC, Arenal Grande 1930), a las 18.00, con una charla del artista abierta a todo público.

El Centro de Fotografía (CdF) muestra, en estos días, su faceta más directamente comprometida con lo histórico-social. Este viernes inaugura, en la fotogalería de la Ciudad Vieja, una exhibición llamada Médicos Sin Fronteras: más de 40 años de acción humanitaria independiente, que relata el trabajo de este célebre grupo humanitario. La semana pasada abrió, en su sede de San José 1360, una exposición personal del chileno Cristian Kirby titulada 119 y centrada en un evento trágico relacionado a la dictadura de Pinochet. la diaria charló con Kirby, de paso por Montevideo, para que explicara su trabajo.

El Museo de Arte Contemporáneo de Montevideo -o Macmo, acrónimo que juega con la moda del nombre-marca instaurada por el Moma de Nueva York- se inauguró hace poco con la exhibición Discursos encontrados, que comprendía videoinstalaciones de Pablo Uribe y de la dupla vasco-holandesa Iratxe Jaio y Klaas van Gorkum. Empero, pese a abrir con una exposición, no es un museo convencional, ya que no tiene un lugar físico fijo y las muestras no son su ocupación precipua. En vista de las futuras actividades, la diaria habló con dos de sus autoridades para ver de qué se trata la propuesta.

La Feria de Arte de Colonia -una de las más respectadas y antiguas de su género en Europa- por un lado y la Torre Eiffel por el otro: escenarios increíblemente llamativos, que desafían cualquier tentativa de descentralización del hecho artístico, encontrando, al contrario, reflectores seguros y con un alto potencial de empuje publicitario. Allí, en menos de un mes se han encendido dos pequeños escándalos mediáticos que han inflamado otra vez preocupaciones, más o menos fundadas, sobre el decaimiento del arte contemporáneo y discusiones, más o menos argumentadas, sobre su credibilidad.

En agosto del año pasado, Jeff Bezos, el fundador del megasitio Amazon -por lejos, el más grande y exitoso vendedor de toda internet- decidió lanzar Amazon Fine Art. La figura de Bezos, y consecuentemente de Amazon, es la del capitalismo más salvaje, del empuje delirante hacia la más ciega compulsión a adquirir todo e inmediatamente, sin obstáculos, sin siquiera la idea misma de obstáculo (entre los proyectos en desarrollo de la empresa, está un sistema de envío con drones, vale decir, pequeños helicópteros sin piloto, capaces de hacer llegar tu litro de champú Paul Mitchell [55 dólares] o un enano de jardín con metralleta [12,86 dólares] en menos de cuatro horas).

“¿Se pueden hacer obras que no sean de arte?”. Es la célebre pregunta que Marcel Duchamp escribió en 1913 y cuya inquietud, a ella intrínseca, condicionaba en aquel momento su producción, ya bastante alejada de telas, bastidores y caballetes. Estaba a punto de “hacer obras” que soliviantarían el arte del entero siglo XX (y más) sin, en principio, realmente “hacerlas”. En efecto, hace un siglo nació el readymade: objetos industriales que sin modificaciones relevantes (básicamente una inscripción) Duchamp declaraba “obras”, ampliando el concepto de qué se podía considerar arte de forma vertiginosa, ya que era potencialmente capaz de englobar “todo” en la esfera estético-simbólica.

Composición de lugar: Italia a principios de los 60. El boom económico estaba en su apogeo, las contradicciones sociales emergían con una fuerza inédita, crecían consumo y producción, pero también las fuerzas sindicales, todo el mundo se podía comprar un Fiat 500 y un televisor, y todo el mundo participaba en huelgas larguísimas: vale decir, el país era una olla en ebullición. En el plano de lo simbólico letrado también reinaba cierta quietud antes de la tempestad. Había un gran estancamiento que empezó a agrietarse cuando en 1961 salió una pequeña antología poética: sus autores se autoproclamaban I Novissimi y eran cinco poetas de entre 26 y 37 años.

La semana pasada se inauguró en la Fundación Unión una muestra que reúne a una treintena de artistas que exponen piezas creadas en workshops que Rimer Cardillo coordinó en el Taller Cebollatí en 2010, 2011 y 2012. Con Cardillo, de paso en Montevideo y pronto para volver a Estados Unidos, donde vive, la diaria se entretuvo charlando de la muestra y de otros temas relacionados con el mundo del arte.

Hace un mes el Museo Blanes, todo de blanco, abrió la gran muestra internacional del año en Uruguay, los dibujos de Fernando Botero, archifamoso artista colombiano. Sobre la exposición (medio centenar de piezas que provienen de la colección personal del autor) y esta nueva fase del Blanes -luego de dos décadas de gestión de Gabriel Peluffo- la diaria conversó con Cristina Bausero, nueva directora del museo ubicado en el Prado.