Riccardo Boglione

Cuando en 2014 se lanzó un libro para niños que reproduce, redibujados, fragmentos del Jardín de las delicias de Hieronymus Bosch, pensado para que los impúberes saturen con vívidos drypens los maduros delirios del artista flamenco, se dio una especie de inversión de roles: los grandes coloreando como los chicos y los chicos pintando cosas de grandes. Parece una situación estrafalaria más entre tantas impulsadas por el imaginario de El Bosco, el pintor más brillantemente oscuro del “Renacimiento nórdico” y, sin duda, uno de los más influyentes.

La cuestión de si Umberto Eco fue, narrativamente, un autor posmoderno, como se lo “acusó” de ser luego de su primera incursión en la narrativa (tardía, a los 48 años) con "El nombre de la rosa", pierde todo sentido en nuestros tiempos, que todavía no hallaron una etiqueta como aquélla para definirse. Sin embargo, Eco -fallecido a causa de un cáncer el viernes, a los 84 años- había anticipado y luego desarrollado un rasgo fundamental de la posmodernidad: la fluidez para pasar de los tópicos y nombres más serios a los triviales, sin pudor ni encorsetamiento, pero a la vez, y a diferencia de una parte ingente de los posmodernos, sin perder casi nunca su típica claridad y agudeza de análisis.

Posiblemente el nombre de Rembrandt Bugatti sea el más altisonante de la historia del arte moderno. El artista se suicidó hace un siglo, el 8 de enero de 1916, abrumado por la Primera Guerra Mundial y por la depresión: adorado por una franja restringida de público desde su aparición, en los últimos 20 años se ha convertido, más abiertamente, en un escultor clave del pasaje del siglo XIX al XX, y en uno cotizadísimo: en los grandes remates, sus piezas más contundentes superan con agilidad la barrera del millón de dólares. Curiosamente, la misma mezcla de artista atormentado con predilección por los animales y horrores de la guerra se halla en un pintor alemán, de cuya muerte este año también se cumple un siglo: Franz Marc.

Luego de haber despertado los sentidos tomándose un café en "Objeto" (1936), con la taza forrada de piel, de Meret Oppenheim, y poniéndose los "Lentes para faquir" (1960), con clavos apuntando a los ojos, de Daniel Spoerri, tal vez, sobreviviendo, se percibiría más claramente un interesante recorrido que establecen tres exposiciones de la Temporada 20 del Espacio de Arte Contemporáneo (EAC), aun siendo muy distintas entre sí.

No es nada casual que la primera sala de la exposición "El legado (in)visible. Devenires de hypomnema", de Alejandra González Soca, que ocupa el ala derecha de la planta baja del Cabildo, produzca una fascinadora escena fantasmal a base de vestidos de novia. La exposición no sólo visibiliza de forma libre y eficaz la microhistoria femenina de un siglo lejano en Uruguay, sino que también “museifica” otra historia, la de una burguesía donde convivían lo hacendoso y lo clasista, así como lo moralista y lo hipócrita.

Entre las varias figuras total o parcialmente olvidadas del arte uruguayo de la segunda mitad del siglo XX, no cabe duda de que Jorge Caraballo, fallecido en 2014, es una de las que más merecían un pronto rescate. La exposición curada por Manuel Neves, que ocupa “el anillo” del Museo Nacional de Artes Visuales, propone un recorrido por la obra de este artista polifacético y discreto.

Esta decimonovena temporada del Espacio de Arte Contemporáneo (EAC) no es la que cuenta con las mejores obras presentadas en los cinco años de existencia del museo, pero seguramente es una de las que más cohesión despliegan: el diálogo entre casi todas las exhibiciones que la componen.

Con una sorprendente trayectoria que toca siete décadas, Luis Felipe Noé expone una selección de su producción reciente en la Fundación Unión: obra vital y penetrante como siempre. la diaria aprovechó su presencia en la inauguración de la muestra (que permanece abierta hasta el 16 de octubre) para conversar con este referente absoluto de la pintura argentina.

Ignacio Iturria es el pintor viviente uruguayo más popular del país. En efecto, esta gran muestra en el Museo Nacional de Artes Visuales balancea cierto déficit expositivo local y permite dicha consolidación: habiendo vivido buena parte de su vida (y carrera) en España, aunque con incursiones frecuentes por estos lares, no se había dado todavía la posibilidad de ver concentradas tantas obras suyas.

La muestra que ahora ocupa la fotogalería del Parque Rodó, "Fotografías históricas, memoria contemporánea. Preservando el patrimonio fotográfico uruguayo", propone una reseña de varios de los actores que salvaguardan material fotográfico del país (principalmente archivos) y que promueven así la idea de la fotografía como evidencia histórica: los 42 paneles presentan las trayectorias, los propósitos y el tipo de material que custodian 14 instituciones de la más diversa naturaleza.

"Arte Naïf en Uruguay" es una exposición que se agranda y valoriza en la suma de los elementos que la componen: es la más consecuente muestra de lo que la “pintura ingenua” ha producido en el país, desde las tempranas obras de artistas de los años 10 y 20 del siglo pasado hasta figuras todavía activas o que recién entraron en dicha “veta”.