Guilherme de Alencar Pinto

En mercados más importantes que el uruguayo se hubiera invertido más dinero y mano de obra para terminar antes esta película y así aprovechar, en forma sensacionalista, el fervor futbolero que siguió al Mundial de 2010 (como se hizo, por ejemplo, con el documental sobre Michael Jackson, aparecido poco tiempo después de su muerte). Qué suerte que no pasó así: el apresuramiento nunca hubiera permitido redondear algo tan acabado y complejo como 3 millones.

Esta película se aguardaba sin grandes expectativas y está teniendo pésima recepción crítica. El director John Singleton supo tener prestigio y fue responsable por el clásico Boyz’n the Hood (Los dueños de la calle), pero últimamente se puso a hacer tonterías como + rápido + furioso. Viendo la película, si buscamos cosas criticables, las hay.

JJ Abrams ganó un lugar sólido en la historia de la comunicación audiovisual como creador de la serie Lost, que a su vez potenció su carrera en la pantalla grande y lo lanzó como director. Éste es su primer proyecto cinematográfico realmente personal (Misión imposible III y Star Trek integraban franquicias preexistentes). Nacido en 1966, Abrams en 1979 tenía 13 años, como los personajes, y por supuesto hizo sus comienzos en cine con el súper 8.

La combinación de géneros radicalmente ajenos puede hacer pensar en el efecto cómico-posmodernista que tenía Del crepúsculo al amanecer (un policial que derivaba en película de vampiros). En este caso los productores hicieron de la mezcla de géneros el título mismo, el llamador primario de la película. Sin embargo, la película, que no carece de pequeños toques de humor en algunos diálogos o comentarios irónicos, y aunque se plantea esencialmente como un divertimiento, no es cómica.

Poder y fragilidad: ambas sensaciones, inherentes al tanque de guerra donde se refugian los protagonistas, dominan Líbano, dirigida por Samuel Maoz. Los personajes están relativamente protegidos por encontrarse en el interior blindado y por su poder de fuego, y, al mismo tiempo, fragilizados por el confinamiento que impide cualquier fuga ágil y por la falta de visión panorámica.

Buena parte de la gracia aquí está en el retrato del personaje, y la película es eso, sobre todo. Un hombre de mediana edad, de pocos recursos económicos, separado quedó judicialmente limitado a la posibilidad de estra con sus dos hijos sólo dos semanas al año. La trama acompaña a padre e hijos durante una de esas quincenas de convivencia.

La fórmula del primer Piratas del Caribe se repite en esta cuarta con competencia aunque sin el mismo brillo: largas e ingeniosas escenas de acción distribuidas a lo largo de todo el metraje y sin que pase mucho tiempo entre una y otra, callejones sin salida también ingeniosos, unos cómicos efectos de decepción.

Una película inserta en el realismo kitchen sink, inseminada con una notoria influencia del llamado “nuevo realismo”: tiene el entorno de clases trabajadoras y de suburbios feos de ciudades industriales, con el típico personaje del joven hombre enojado, que en este caso es una angry young woman.

Éste es el curioso caso de una película dirigida a trío. Fundamentalmente se repartieron las tareas a la manera de Stoll y Rebella: uno se especializó en el trabajo de cámara, otro en los actores, y en este caso hubo uno más que se concentró en temas afines a la producción (el rol de Ethan Coen en la repartija con su hermano Joel).

Aunque los premios Oscar fueron inventados por Hollywood para su propia promoción, sus estatutos impiden la candidatura de indies (realizaciones independientes con respecto a los grandes estudios), y éstos últimamente se convirtieron en una ostensiva mayoría entre los nominados. No suele hacer mucha diferencia, porque la mayoría de los indies consagrados fueron realizados para disputar el mismo mercado que las películas “dependientes”, respondiendo a los mismos principios narrativos (y donde las desventajas de un menor presupuesto de producción y promoción se compensan con las ventajas de la libertad con respecto a las restricciones histéricas que envuelven los negocios multimillonarios de las grandes corporaciones).

El éxito internacional de La reina (2006) y, ahora, de El discurso del rey, parece ser un resto, todavía fuerte, de una veta de “cine de arte” cuyo mejor momento ya pasó, ésa de las películas de época con oportunidades para revivir el glamour de las clases pudientes de otrora, en cuidados trabajos de dirección de arte y fotografía vistosa.

Aunque sea Londres, se respira Woody Allen en cada intersticio, en su última película que retrata a un grupo familiar no como unidad, sino como mosaico de individualidades que tienden a dispersarse. Parejas que se separan, que se meten con otras y algunas de esas nuevas que tienen además otros intercambios (de los platónicos y de los consumados): Vínculos familiares como nudo de emergencia para evitar la dispersión total y distribuyendo la historia en los polos de algunos de sus contrastes preferidos.

Tron (1982) sería una película olvidada si no fuera por el hecho de haber sido un escalón muy importante en la exposición de animación digital y de efectos de computadora. También fue una de las primeras películas inspiradas en el estilo de los videojuegos. La referencia a esa película en los recuentos históricos alimentó una tenue supervivencia como objeto de interés, que ayudó a la realización de esta continuación.

Minion es un pez extraterrestre, parlante y sabio. Su aire de piraña cuaja bien con su rol de principal asistente y mejor (único) amigo de un genio del mal, Megamind (Megamente en el doblaje). Para mejor interacción física con el mundo fuera del agua suele usar un meka (vehículo/prótesis dotado de miembros) en el que el acuario del pez es la cabeza: la apariencia general es la de un robot fortachón con un pez dentro de la cabeza.

El esqueleto anecdótico está bastante desgastado; sin embargo, la película es original. Un par de personajes simpáticos (padre e hijo) tratan de sobrevivir en un mundo posapocalíptico en el que escasea el alimento, toda la estructura social colapsó y se instauró el “sálvese quien pueda”. El peligro más drástico es la existencia de grupos convertidos al canibalismo -emprenden cacerías humanas-; el peligro menor son los robos, lo que, de todas maneras, es bastante grave, ya que la posesión de bienes, como zapatos, abrigo o una lata de comida, hace la diferencia entre la vida y la muerte.

Quienes no hayan leído la historieta en la que está basada pueden llevarse buenas sorpresas con esta película que fue descrita como un híbrido entre El hombre araña y Kill Bill. Un adolescente bastante desgraciado, aburrido de su vida y sin horizontes más amplios que su fanatismo por las historietas decide probar realizar el sueño que muchos alimentan pero pocos se animan a tomar en serio: convertirse en superhéroe. No tiene poderes sobrehumanos, tampoco los recursos económicos de un Bruce Wayne, no practica artes marciales, no es ni siquiera un tipo especialmente fuerte o intelectualmente brillante, y el superdisfraz que adopta es un traje de buzo comprado por internet, con el que camina por ahí patéticamente durante las noches, buscando problemas que va a tratar de solucionar.

Quizá no haya otro largometraje uruguayo tan lisamente narrativo como éste, en el sentido de que una proporción enorme del peso está depositado en la anécdota, y la dimensión estilística está reducida a lo más funcional, no-llamativo. No es propiamente una película que pretenda lucir estándar, porque el “estándar”, pautado por Hollywood y la publicidad, es mucho más vistoso, mientras que aquí la cinematografía es austera sin llegar a hacer alarde de su austeridad (no se trata de “estética del hambre”). La fotografía (a cargo de ese gran talento que es Pedro Luque) es, dentro de los límites de una tecnología con definición no muy alta, muy linda, respetando sugerentemente las oscuridades de ambientes mal iluminados (un cuarto en que la única fuente de luz es una lamparita, o las varias escenas nocturnas en paradas de ómnibus). Pero no hay un regodeo con la plasticidad, tampoco el empeño por crear una marca visual peculiar y llamativa. La cámara está todo el tiempo en la mano y oscila levemente con la respiración del camarógrafo (sin ser el tipo de cámara en mano ágil, nerviosa y un poco caótica del cinéma-vérité). El montaje no tiene la velocidad que actualmente es usual pero reposa en planos largos, y las reglas del découpage clásico se respetan estrictamente. Con la excepción hecha de una escena de imaginación, todo es cronológicamente lineal y “objetivo”.

Reseña de "La cinta blanca". Mientras el negro de los créditos da paso, a través de un lento fade-in, al paisaje que empieza la trama, la voz over en alemán dice que va a contar “los extraños eventos que ocurrieron en nuestra aldea” porque “quizá puedan aclarar algunas de las cosas que ocurrieron en este país”. Este aspecto -los eventos en cuanto síntomas de algo más amplio- no se vuelve a tocar durante la mayor parte del metraje pero condiciona la apreciación para el espectador atento.

Anunciada desde hace varios años y rodada finalmente en tiempo récord, la película Miss Tacuarembó, dirigida por Martín Sastre y basada en un relato de Dani Umpi, llegó a las pantallas locales protagonizada por Natalia Oreiro. Además del film, analizamos aquí la relación entre este trío de artistas uruguayos.