Guilherme de Alencar Pinto

El esqueleto anecdótico está bastante desgastado; sin embargo, la película es original. Un par de personajes simpáticos (padre e hijo) tratan de sobrevivir en un mundo posapocalíptico en el que escasea el alimento, toda la estructura social colapsó y se instauró el “sálvese quien pueda”. El peligro más drástico es la existencia de grupos convertidos al canibalismo -emprenden cacerías humanas-; el peligro menor son los robos, lo que, de todas maneras, es bastante grave, ya que la posesión de bienes, como zapatos, abrigo o una lata de comida, hace la diferencia entre la vida y la muerte.

Quienes no hayan leído la historieta en la que está basada pueden llevarse buenas sorpresas con esta película que fue descrita como un híbrido entre El hombre araña y Kill Bill. Un adolescente bastante desgraciado, aburrido de su vida y sin horizontes más amplios que su fanatismo por las historietas decide probar realizar el sueño que muchos alimentan pero pocos se animan a tomar en serio: convertirse en superhéroe. No tiene poderes sobrehumanos, tampoco los recursos económicos de un Bruce Wayne, no practica artes marciales, no es ni siquiera un tipo especialmente fuerte o intelectualmente brillante, y el superdisfraz que adopta es un traje de buzo comprado por internet, con el que camina por ahí patéticamente durante las noches, buscando problemas que va a tratar de solucionar.

Quizá no haya otro largometraje uruguayo tan lisamente narrativo como éste, en el sentido de que una proporción enorme del peso está depositado en la anécdota, y la dimensión estilística está reducida a lo más funcional, no-llamativo. No es propiamente una película que pretenda lucir estándar, porque el “estándar”, pautado por Hollywood y la publicidad, es mucho más vistoso, mientras que aquí la cinematografía es austera sin llegar a hacer alarde de su austeridad (no se trata de “estética del hambre”). La fotografía (a cargo de ese gran talento que es Pedro Luque) es, dentro de los límites de una tecnología con definición no muy alta, muy linda, respetando sugerentemente las oscuridades de ambientes mal iluminados (un cuarto en que la única fuente de luz es una lamparita, o las varias escenas nocturnas en paradas de ómnibus). Pero no hay un regodeo con la plasticidad, tampoco el empeño por crear una marca visual peculiar y llamativa. La cámara está todo el tiempo en la mano y oscila levemente con la respiración del camarógrafo (sin ser el tipo de cámara en mano ágil, nerviosa y un poco caótica del cinéma-vérité). El montaje no tiene la velocidad que actualmente es usual pero reposa en planos largos, y las reglas del découpage clásico se respetan estrictamente. Con la excepción hecha de una escena de imaginación, todo es cronológicamente lineal y “objetivo”.

Reseña de "La cinta blanca". Mientras el negro de los créditos da paso, a través de un lento fade-in, al paisaje que empieza la trama, la voz over en alemán dice que va a contar “los extraños eventos que ocurrieron en nuestra aldea” porque “quizá puedan aclarar algunas de las cosas que ocurrieron en este país”. Este aspecto -los eventos en cuanto síntomas de algo más amplio- no se vuelve a tocar durante la mayor parte del metraje pero condiciona la apreciación para el espectador atento.

Anunciada desde hace varios años y rodada finalmente en tiempo récord, la película Miss Tacuarembó, dirigida por Martín Sastre y basada en un relato de Dani Umpi, llegó a las pantallas locales protagonizada por Natalia Oreiro. Además del film, analizamos aquí la relación entre este trío de artistas uruguayos.

Hablar de una película de vampiros “a la europea” sería de un simplismo infame. Hablar de una “a la sueca” también, aun si una de las primeras imágenes, la de un púber rubio de rostro y peinado un poco andróginos, que extiende la mano para tocar su reflejo en un vidrio, es como una cita de Persona (Ingmar Bergman, 1967). Pero a lo que se quiere aludir es a una película de terror que es netamente extra Hollywood.

Reseña. Toy Story 3. El cine estadounidense con actores y para gran público vive quizás el momento más pobre de su larga historia, una vez que ya no dispone de la solidez que otorgaba el sistema de estudios, y que la independencia institucional fue contrarrestada por una histérica dependencia de la afluencia de público en el primer fin de semana. Mientras tanto, el cine de animación mainstream es el nicho que sí preserva lo mejor de Hollywood.

Reseña de "Desde mi cielo". Una chica de 14 años asesinada por un vecino pervertido va a parar a una especie de limbo, desde donde observa el devenir del mundo de los vivos, que envuelve grandes conflictos entre sus parientes -traumados por la pérdida que sufrieron- y los intentos de descubrir quién fue el asesino. La autora del libro original, Alice Sebold, ubicó la historia a partir de 1973, quizá para reflejar aspectos de su propia adolescencia. Peter Jackson aprovecha la sugerencia de época para componer el estilo visual del limbo personal de Susie como algo parecido a las tapas de los discos de Pink Floyd o el Houses of the Holy, de Led Zeppelin, filtrados por la visión de una muchacha angelical (es decir, más pueriles, despojados de sus aspectos inquietantes y reducido a un bucolismo pos-jipi).

El Iron Man cinematográfico (del que éste es la continuación) fue una de las mejores películas recientes entre las franquías Marvel, y confirmó a Jon Favreau (director de la deliciosa Zathura, para niños grandes) como alguien capaz de hacer atrapantes películas de acción dotadas de un envolvente desarrollo de personajes, un ritmo planificado y equilibrado, giros originales, escenas memorables y una muy meditada dosificación de elementos mágicos contra un fondo naturalista. La película anduvo muy bien en la boletería y tuvo aceptación crítica, y no se sabe por qué diablos a los productores les dio por oír las protestas de algunos adrenalínicos que acusaron supuestas lentitudes y la también supuesta carencia de más escenas de acción.

Luego de una etapa concentrada en desarrollos técnicos o vinculados a la expresividad de los personajes, la animación por computadora entró, recientemente, a explorar las posibilidades fotográficas de la cámara virtual. Los fantasmas de Scrooge jugaba con una cinematografía wellesiana elevada a lo físicamente imposible (para una cámara real) en cuanto a claroscuros, movimientos de cámara y profundidad de campo. Estos dos últimos factores rinden mucho en 3D y surgen otra vez con destaque en "Cómo entrenar a tu dragón", aunque en un estilo menos expresionista, pero llamativo por tratarse de animación pura, sin captura de movimientos.

Con dos películas de 007 en su haber, el director británico Martin Campbell parece haber querido profundizar su presencia en Hollywood con una adaptación a la pantalla grande de la miniserie televisiva que él mismo dirigió hace 25 años, y que tuvo gran éxito de público y un considerable prestigio. La acción está trasladada de Gran Bretaña a Massachusetts y a la actualidad.

"Horas contadas" (The Finest Hours) es una heroica historia real acontecida en Nueva Inglaterra, Estados Unidos. La película tiene ingredientes virtualmente infalibles para una versión cinematográfica: heroísmo, compañerismo, coraje, tenacidad e inconformismo ante la adversidad, grandes peligros, el poder temible del viento y del mar bravío, el peso avasallante del barco grande, la esperanza en condiciones desesperantes, la moraleja del trabajo coordinado y disciplinado como única alternativa para lograr un improbable éxito.

Durante la realización de esta película Tim Burton dijo que no lo atrapaba ninguna de las versiones cinematográficas previas de las dos novelas de Carroll con el personaje Alicia, una vez que eran una mera sucesión de episodios y personajes locos sin tensión anecdótica, y que su intención fue justamente hacer una Alicia con un esqueleto argumental sólido. Hubiera quedado feo que él señalara que esa característica episódica proviene de los originales de Carroll: es con él que Tim Burton no termina de conectar.

Cine. "Precious (Preciosa)", dirigida por Lee Daniels. Esta producción independiente y relativamente barata brilló en el Festival de Sundance hace un año y desde entonces cosechó elogios críticos, aplausos prolongados en otros festivales, premios diversos, una boletería que en seis semanas quintuplicó la inversión y seis nominaciones al Oscar. Pese al saldo positivo, hay una crítica que se le ha hecho desde distintos frentes, referida a que la imagen social, supuestamente naturalista, sería demasiado cruda para ser creíble, que tantos males no podrían acometer a una sola persona. Es decir, que viola el principio aristotélico de verosimilitud (atenerse a lo probable).

Reseña. Cine. "Toy Story 3D", dirigida por John Lasseter. Quince años después de su primer lanzamiento, Toy Story se confirma como un clásico. No sólo por su posición histórica como el primer largometraje totalmente hecho por computadora, y como el primer largometraje de Pixar (quizá el más sólido estudio -a la vieja usanza de Hollywood- que actuó en los últimos veinte años). Por supuesto que hubo unos incrementos técnicos fantásticos desde entonces.

Cine. Reseña "Avatar", dirigida por James Cameron. Hace ocho meses, el estreno local de la documental Tierra ayudó a poner énfasis en la distancia todavía notoria entre los paisajes generados por la naturaleza en nuestro planeta y lo que era posible urdir con efectos especiales sin las limitaciones del mundo material pero con las limitaciones vinculadas a la potencia de las computadoras, a la creatividad del personal y a la disponibilidad de horas-hombre. Para borrar esta diferencia, hacían falta el talento, el empeño y el crédito de un James Cameron.

Buscando un poco por internet veo que mucha gente está comparando esta película con Bastardos sin gloria, de Tarantino. Yo había hecho la misma asociación por mi cuenta. Distintas como son, ambas películas tienen una cantidad de puntos en común. Se estrenaron en el lapso de pocos meses y pertenecen a dos directores relativamente independientes, que llamaron la atención más o menos por la misma época y desde entonces se vienen sosteniendo como lo más parecido posible a esa especie de “culto autoral de masas” que pautó en otros tiempos la apreciación de Bergman, Fellini o Kurosawa.

Planificado para estreno en julio en la O2 Arena, Londres, el ciclo de conciertos This is It de Michael Jackson no se llegó a estrenar por la muerte de la estrella, el 25 de junio. Hubiera sido el primer ciclo de conciertos de Jackson desde 1997, y desde 2006 no cantaba en público. Una vez que murió, Kenny Ortega -quien junto con Michael Jackson creó y dirigió el espectáculo y es también director de cine (la exitosísima serie High School Musical, por ejemplo)- fue una elección lógica para montar de apuro este documental, concentrado en forma casi exclusiva en dar una idea de lo que hubiera sido el show frustrado y su proceso de realización.